A ALFAIATARIA ENLOUQUECEU? O QUE A SÃO PAULO FASHION WEEK ESTÁ DIZENDO SOBRE O NOVO HOMEM.

Existe uma diferença entre vestir um terno e compreender um terno. A primeira tarefa exige um espelho. A segunda exige conhecer uma construção que, durante séculos, foi cuidadosamente escondida sob camadas de tecido, entretelas, costuras e convenções sociais.

Na São Paulo Fashion Week N61, João Pimenta decidiu revelar esse segredo.

Apresentada em 15 de outubro, sua nova coleção partiu do universo do jazz para questionar os códigos tradicionais da alfaiataria. Não se tratava simplesmente de vestir modelos como músicos de uma antiga casa noturna. O jazz apareceu como método criativo: dominar a técnica para ter liberdade de improvisar.

O resultado foi uma sequência de peças que desafiaram a posição habitual de cada elemento do guarda-roupa masculino. Coletes apareceram sobre paletós, faixas de smoking foram deslocadas e gravatas-borboleta ganharam proporções inesperadas. Camisas e blazers assumiram novas construções, enquanto detalhes normalmente ocultos passaram a fazer parte da linguagem visual.

O AVESSO TAMBÉM PODE SER ELEGANTE

Na alfaiataria clássica, boa parte do trabalho mais sofisticado é invisível. A entretela estrutura o peito do paletó, os alinhavos orientam sua construção e as costuras ajudam a definir o caimento. Quando tudo está pronto, o cliente normalmente enxerga apenas a superfície.

Pimenta inverte essa lógica.

Ao evidenciar componentes internos e deslocar elementos tradicionais, o estilista transforma a própria fabricação em expressão estética. É uma maneira de lembrar que um bom terno não nasce apenas de um desenho bonito, mas de decisões técnicas, conhecimento e trabalho manual.

Isso não significa que todos os homens passarão a usar coletes sobre blazers ou gravatas monumentais. A passarela frequentemente funciona como um laboratório: exagera possibilidades para ampliar aquilo que será considerado aceitável no futuro.

O NOVO HOMEM NÃO PRECISA ABANDONAR O CLÁSSICO

Talvez o aspecto mais interessante do desfile esteja justamente nessa relação com a tradição.

Em vez de rejeitar a alfaiataria, João Pimenta demonstra intimidade suficiente com suas regras para reinterpretá-las. O gesto é mais sofisticado do que simplesmente declarar o terno ultrapassado.

Há uma lição que ultrapassa a moda. Conhecer os códigos da elegância não deveria significar tornar-se prisioneiro deles. O homem contemporâneo pode admirar um smoking impecável e, ao mesmo tempo, reconhecer valor em uma construção experimental.

No fim, o desfile propõe uma inversão curiosa: talvez a verdadeira elegância não esteja em vestir exatamente aquilo que esperam de você, mas em saber por que escolheu vestir algo diferente.

Durante anos, Kim Jones ajudou a transformar a identidade de algumas das marcas mais poderosas da moda. Na Louis Vuitton, aproximou o luxo da cultura urbana. Na Dior Men, estabeleceu diálogos entre alfaiataria, arte contemporânea e novos públicos. Na Fendi, também comandou coleções femininas.

Agora, o estilista britânico prepara um desafio diferente: construir uma marca que carregue seu próprio nome.

O anúncio, feito em outubro de 2026, prevê o lançamento da primeira coleção em 2027, com roupas produzidas predominantemente no Japão e artigos de couro fabricados na Itália. A proposta combina alfaiataria, peças versáteis e um guarda-roupa que não pretende obedecer rigidamente às categorias tradicionais de gênero.

A estreia comercial deverá acontecer inicialmente pela internet, enquanto a primeira loja física está prevista para Hong Kong, em outubro de 2027.

Mas existe um detalhe histórico interessante: essa não será a primeira marca Kim Jones. O estilista já havia lançado uma etiqueta homônima em 2003, encerrando aquela etapa em 2008 para assumir a direção criativa da Dunhill.

O retorno, portanto, é também uma recuperação de sua identidade original.

A decisão revela uma tensão crescente no mercado de luxo. Grandes casas oferecem estrutura, patrimônio e alcance global, mas também impõem a responsabilidade de preservar identidades construídas muito antes da chegada de seus diretores criativos.

Uma marca independente oferece outro tipo de liberdade — acompanhada, naturalmente, de riscos comerciais maiores.

Para a OAK, o movimento de Jones representa algo além de uma nova coleção. Depois de décadas ajudando outras empresas a contar suas histórias, ele decidiu descobrir quanto vale a sua própria assinatura.

Existe uma ironia deliciosa no mercado de luxo contemporâneo: enquanto algumas marcas investem fortunas para convencer consumidores de que precisam da próxima coleção, cresce o interesse por peças que já tiveram outra vida.

Em São Paulo, esse movimento ganha um endereço simbólico.

Entre 16 e 18 de outubro, o Pavilhão da Bienal, no Parque Ibirapuera, recebe a primeira edição do CONTEMPOGIRA, evento que reúne mais de 50 marcas nacionais e internacionais, coleções anteriores e uma seleção de artigos de luxo de segunda mão.

Entre as participantes anunciadas estão nomes como Gloria Coelho, PatBO, Animale, Carol Bassi, Farm e Adriana Degreas. O evento também conta com uma curadoria de peças seminovas realizada pelo brechó Cansei Vendi.

A proposta não se limita à compra de roupas usadas. Ela reúne três tendências que estão modificando o consumo: a valorização de coleções passadas, a busca por preços mais atraentes e a percepção de que qualidade não precisa ter prazo de validade.

É uma mudança importante na maneira como o consumidor enxerga a exclusividade.

Uma peça de uma coleção anterior pode se tornar mais interessante justamente porque já não está disponível nas lojas. Um acessório bem conservado pode carregar uma história que um produto recém-saído da fábrica ainda não possui.

Naturalmente, comprar luxo de segunda mão exige atenção à autenticidade, ao estado de conservação e à procedência.

Mas a mensagem cultural é clara: o valor de um objeto não desaparece necessariamente quando termina sua temporada.

Para a OAK, talvez o consumo mais sofisticado não seja aquele que acompanha todas as novidades, mas aquele que sabe reconhecer o que continua relevante depois que a novidade passa.

No universo dos charutos cubanos, poucas palavras despertam tanto interesse quanto edição limitada. A expressão promete algo que o colecionador valoriza profundamente: a possibilidade de possuir um objeto que não estará disponível para sempre.

Mas o que acontece quando uma dessas raridades retorna ao catálogo?

A Habanos S.A. anunciou que o Cohiba Talismán, originalmente apresentado como Edición Limitada em 2017, passará a integrar a produção regular da marca em 2026. O lançamento faz parte das comemorações dos 60 anos da Cohiba, fundada em 1966.

A novidade foi apresentada internacionalmente em Londres e incorpora o Talismán à Línea Clásica, uma das famílias mais tradicionais da marca.

O charuto mantém suas dimensões conhecidas: 154 milímetros de comprimento e calibre 54, além do acabamento característico da cabeça em formato pigtail.

Para quem aprecia charutos, a notícia tem dois significados distintos.

O primeiro é positivo: um formato anteriormente associado a lançamentos especiais ganha a perspectiva de maior continuidade comercial. Isso pode permitir que novos apreciadores conheçam uma vitola antes vinculada ao mercado de edições limitadas.

O segundo é mais delicado e envolve o colecionismo.

Quando uma marca transforma um produto limitado em integrante do catálogo permanente, surge uma pergunta inevitável: o que acontece com o prestígio das unidades originais?

A resposta depende de fatores como apresentação, procedência, conservação, ano de fabricação e interesse dos colecionadores. A nova produção não transforma automaticamente as caixas de 2017 em objetos comuns.

Também é importante distinguir produção regular de disponibilidade irrestrita. A Habanos ainda pode enfrentar limitações de distribuição e oferta.

Para a OAK, o retorno do Talismán ilustra uma tensão fascinante do luxo: todos desejam experimentar aquilo que é raro, mas parte do encanto da raridade está justamente na dificuldade de encontrá-la.

No universo do Scotch whisky, encontrar uma garrafa com 21 anos de maturação não é exatamente uma surpresa. No bourbon, entretanto, essa idade representa um desafio técnico considerável.

A razão está na combinação entre clima, madeira e legislação.

Diferentemente de muitos whiskies escoceses, o bourbon deve envelhecer em recipientes novos de carvalho carbonizado. Isso significa que cada barril começa sua vida oferecendo uma superfície especialmente ativa, capaz de transferir compostos aromáticos e estruturais ao destilado.

Quando a maturação se estende por duas décadas, o equilíbrio se torna delicado.

É nesse território que a Knob Creek apresenta novamente seu bourbon de 21 anos, engarrafado com 50% de graduação alcoólica e preço sugerido de aproximadamente US$ 250 nos Estados Unidos.

A idade chama atenção, mas não garante superioridade sensorial.

Durante a maturação, a madeira pode contribuir com notas de baunilha, caramelo, especiarias e componentes tostados. Ao mesmo tempo, períodos prolongados de contato podem intensificar taninos, amargor e sensações de secura.

O clima do Kentucky também favorece oscilações térmicas que influenciam a interação entre líquido e barril. Com o passar dos anos, a evaporação reduz o volume disponível, tornando cada lote antigo um exercício de seleção.

É por isso que um bourbon de 21 anos merece ser analisado de maneira diferente de um whisky escocês da mesma idade.

Para a OAK, a questão não é descobrir qual dos dois envelheceu mais dignamente. É compreender que maturação não funciona como uma corrida na qual o vencedor é sempre o destilado mais velho.

Um grande whisky precisa encontrar o ponto em que a madeira acrescenta complexidade sem apagar o caráter do destilado.

A Knob Creek 21 anos representa precisamente esse desafio. E sua verdadeira qualidade dependerá do que existe dentro da garrafa, não apenas do número impresso no rótulo.